来源现藏者直接得自于艺术家林寿宇我们的前面是什么，画不画言，言不画意，什么就是什么，一切无分别，一即一切。— 林寿宇林寿宇出生于台湾，自幼便受老庄思想熏陶，成长在传统中国艺术审美体系之下的他，在成年后进入伦敦综合工艺学院攻读建筑和艺术，在来自各方文化的浸没下，他由东方思想出发直探艺术本核，并以独一无二的美学呈现打造出一件件超越绘画和雕塑传统定义的创作。林寿宇不可被简单的定义为「西方体系艺术家」或「东方艺术家」，也更没有追随许多留洋的中国艺术家一般倡导「东西融合」或「西学中用」的创作理念—他认为，艺术是无国界的，也因此将既定观念中的传承形式完全切断，开拓了一种自成一派的全新形式表达，意图将创作还原回「艺术本应有的模样」。从此，林寿宇的艺术便一直以一种极富前瞻的先驱性与现实世界中的既定相对抗，而后影响着一代又一代「不再因事物而起，而是事物因他而起」。当我们欣赏并试图理解林寿宇与他的艺术创作，似乎总能为其画面上呈现出的那种与众不同的清冷孤傲气质深深吸引；那是一种跨越文化风格隔阂、超越时代思悟下的凝练，在艺术发展的漫漫长河中，注定历久弥新。一切的开端—「一」，即一切林寿宇自1950年代末开始从事创作起，便因对艺术本质的清晰洞见而发展出一套属于自己的哲学辩证逻辑体系，并在此后逾半个世纪的的创作生涯中，将其一以贯之，演化出愈发清晰的主题脉络。《无题》（Lot 145）《无题》（Lot 146）及《24-OCT-59》（Lot 147），是其艺术生涯伊始阶段极具代表性的关键之作。两件《无题》均创作于1958年，处于艺术家风格转折的初期：一件《无题》的平面空间内：一方棕色的矩形色块正在从画布的一角侵入黑色平铺的领域，而同时周围的黑色领土呈现出一种欲将其吞噬的势态，两种颜色在相互牵动的同时达到了某种理性的平衡与冷静；而在另一件《无题》中，林寿宇大胆实验，只见蓝色的油彩不遗余力的填满了画面的每个角落，虽并未描绘任何一种具象之形，但颜料本身的质地与触感已充分展现艺术家笔锋的百转千回—它们与画布空间产生联结，形成独具艺术家签名式的半抽象山水图示。两幅作品在有限的空间内呈现出充满力量的优雅质感，是自由在规整中的释放，由内而外、极致简约。而创作于1959年的《24-OCT-59》，可见艺术家的「冷抽象」表达方式已初现端倪：规整平滑的纵向矩形画布上，一层层色调略微不同的蓝、深蓝与黑构建出一方充满神秘色彩的暗色空间；当人们在一派肃静迷蒙之中定睛凝视，一条条忽隐忽现的色带正在悄无声息的横跨画布两端，以一种看似随机的规律将平面分割成大小不等的色域，在彼此相接的缝隙，它们极为自然的相互融合，最终汇聚成一条条具有代表永恒的无尽「地平线」。画面的深邃与沉静有如抽象表现主义作品一般唤醒人们感性的心绪，与此同时，艺术家却用弗兰克．斯特拉在其黑暗画中那种精准理性的极简主义手法处理画框内的一切发生…在感性与理性的思辨和虚实交接的转换之中，任何来自创作者的主观情绪线索变得无迹可寻—这是一个将一切杂念滤除后，让人们得以静下心来坠入无尽遐思的「独白」时空，艺术家在画面中历经再三精炼，留下最「少」，但可以表达最「多」的要素，这便是林寿宇究其一生笃信的真机 —「少即是多」。此次上拍三件作品均是现藏家直接得自于艺术家家属，首现市场尤显其珍贵性。从创作题材上，它们也是艺术家后期迈向进一步「抽离」的最佳映射，林寿宇彻底放弃了使用任何具象形容词为作品命名，取而代之的是「无题」以及直接用日期为作品命名，从根本上将带有指向性的含义消解，让人不禁想起极简主义运动中日本艺术家河原温专注于日期的观念性绘画以及一众专注于画布与颜料质地本身的艺术家逐渐不再为作品命名，将解读空间留给观众的艺术态度。无关表达，是乎永恒在林寿宇所创造的那一个个纯净、静止的空间维度内，我们不禁思考：一切从哪里开始，又将至何处结束？他以「一」为起点而终归根于「一」，那一幕幕真实存在的美学呈现似乎早已存在于我们的想象中，这是生活，更是生命的态度；此种「从一而终」面对创作、面对艺术本质的精神，是为林寿宇眼中包含一切的「一」，即一切。从画面上看到一种迷人甚至接近永恒的「冷静」...真正是将万物都规划如相似性与统合性的原本的「形」中，这「形」变也正是极限艺术在画面上所追求与创造的最单纯与绝对的基型，呈示出一切存在的永恒状态与完美性...— 罗门〈纯净空间的建筑师一看林寿宇的画〉绘画如果只是描绘，那人将是一具醒着的工具，但是绘画与艺术如果是预见，人便是沉默的精灵，艺术家便无需语言、文字的协助，如此植入浑然存在之在。─林寿宇 款识：LIN Lin Show yu 1958（画背）